Интересные пассажи

Интервью Дмитрия Малолетова для журнала Газпром

Дмитрий, вы ведь далеко не сразу определили музыку как главное свое занятие? С чего все началось? 

О это длинная история. В 6 лет родители отдали меня в музыкальную школу на фортепиано «для общего культурного развития».  Но, честно говоря, мне все это не очень нравилось. В детстве я мечтал быть военным летчиком, как мой отец, и больше любил заниматься спортом. Тем более, что жил я в военном городке рядом с аэродромом, где царила особая авиационная атмосфера. Все изменилось лет в 13, в середине 70-х годов, когда я услышал необычную музыку групп Deep Purple и Led Zeppelin.  Мы с ребятами организовали школьный ансамбль и начали пытаться что-то играть, копируя музыку с магнитофонных записей. Инструментов и аппаратуры тогда не было и нам приходилось самим делать электрогитары и паять ламповые усилители. Это было увлечение, просто хобби. После школы я готовился к поступлению в военное летное училище и 1980-м году поступил в Тамбовское ВВАУЛ. Но гитару я не оставлял, играл в ансамбле училища на танцах, различных праздниках и смотрах художественной самодеятельности. Я очень любил полеты, особенно самостоятельные, когда ты один управляешь  реактивным  самолетом, любил прыжки с парашютом, но с каждым годом гитара меня тянула все больше и больше. На 4-м курсе, когда уже была готова лейтенантская форма,  я все больше мечтал изменить свою жизнь и стать профессиональным музыкантом. Меня мало кто понимал тогда, ведь променять престижную профессию на «непонятно что» было просто безумием. Но жизнь сама распорядилась моей судьбой. И после некоторых сложностей, я ушел из армии и поступил в Минский институт культуры на эстрадное отделение, где мне посчастливилось попасть к одному из лучших педагогов в СССР Владимиру Ткаченко. Именно он и показал мне все самые современные приемы игры на гитаре, которые только входили арсенал профессиональных гитаристов. Занимался я много, сочинял свои пьесы и выступал на различных конкурсах гитаристов. После одного такого конкурса, меня пригласили в аккомпанирующий состав композитора Игоря Николаева в Москву. Это было в 1988-м году. Но поработав в поп-индустрии в качестве гитариста около пяти лет надо было развиваться дальше. Рамки поп-музыки никак этому развитию не способствовали, так как эти жанры не требуют высокого уровня. Скорее наоборот.  создание хитов «для народа» требует занижения планки. Чтобы попасть во вкус широких масс производителям массовой музыки требуется не выходить за рамки «трех аккордов в ля-миноре». Плюс ко всему в начале 90-х в поп-музыке начала процветать фонограмма, чего я категорически принять не мог. И тут встал вопрос или принимать правила игры, получая за это неплохие деньги, или идти своей дорогой. В 1995-м году я  стал выступать сольно со своей гитарной программой, в которой исполнял свои пьесы, используя необычные приемы «фортепианной техники». 

Гитарная культура

─ Поговорим о  гитаре. Куда движется современная исполнительская техника?

Гитара  развивается во всех направлениях, как в стилевом отношении, так и в техническом. Появляются все новые способы игры на инструменте, а также новые электронные средства, которые расширяют его возможности. 

Бурное развитие гитары обусловлено тем, что это самый массовый музыкальный инструмент. Он прост в освоении на начальном уровне. Уже через пару недель занятий можно выучить несколько аккордов и аккомпанировать любимые песни.  Гитара мобильна, она не требует много места в квартире, ее можно взять с собой в дорогу. Купить гитару может любой желающий, гитары любительского уровня стоят не очень дорого. Но самое главное,  — гитара легко находит свое место в разных музыкальных жанрах будь то испанское фламенко, американский блюз, русский романс, джаз-рок группа, коллектив электронной музыки или классический оркестр.  

В каждом направлении музыканты используют свои технические приемы. Так, например, техника классического гитариста, играющего фуги Баха, отличается от игры джаз или рок-гитариста. Поэтому в настоящее время каждый стиль музыки имеет свою гитарную школу. Кроме этого, гитары отличаются и конструкцией. Есть акустические гитары, электрогитары, а также масса различных электроакустических вариантов.  

О технике TouchStyle

Если кратко остановиться на технике TouchStyle или тэппинга (от англ. tapping – постукивание; звук извлекается при помощи легких ударов по струнам между ладов гитары. – Ред.),, то она расширяет возможности гитары и позволяет исполнять скоростные пассажи, а также играть сложные многоголосные произведения, где бас, аккордовый аккомпанемент и соло играются одновременно одним музыкантом. Данный прием напоминает игру на фортепиано, где левая и правая рука играет свою партию. Поначалу, когда эта техника только начала входить в арсенал гитаристов, многие слушатели даже не верили, что это играет один гитарист. Но сейчас все уже привыкают к тому, что гитара может так звучать. 

В настоящее время я работаю над соединением традиционных способов игры на гитаре с новыми приемами. Это позволяет использовать все лучшее от разных гитарных школ в рамках одного произведения. Но добиться этого сложно, так как при таком подходе надо быть универсалом и овладеть не одним, а сразу несколькими направлениями. 

С другой стороны погружение в технические детали зачастую дает отрицательный результат. Как говорится, любой прогресс есть относительный регресс. К сожалению, в наше время акцент на новые броские технические «фишки» порой перекрывает само содержание музыки. На мой взгляд исполнительская техника должна служить музыке, а не быть самоцелью, напоминая больше цирковые номера. Поэтому сейчас гитарная музыка разделилась на два вида — узкопрофессональную, которую слушают сами гитаристы и музыку, которую могут слушать люди, не вникающие в технические тонкости. Я пытаюсь найти баланс — чтобы было интересно технически, но в то же время, чтобы это было музыкально, а не набором «упражнений» для пальцев.  Хочется делать красивую музыку, которая трогает душу. 

Джаз для эстетов

─ Немного к истокам давайте вернемся. Итак, вы выбрали музыку. И это был, насколько понимаю, прежде всего хард-рок. К джазу-то как пришли?

─ Дв, начинал свою музыкальную жизнь я с хард рока. Я и сейчас его люблю поиграть, хотя мои музыкальные вкусы по мере взросления постепенно менялись. Что касается джаза, то я его по-настоящему полюбил, когда стал изучать этот стиль в институте культуры. Красоту этой музыки я ощутил только тогда, когда увидел всю эволюцию стилей данного жанра. Представьте на минутку, что человеку, который никогда не слушал классической музыки, поставить современный атональный  авангард, где нет ни мелодии, ни гармонии, и сказать ему, что это – классическая музыка.  Конечно, он отвернется от этого «шума». Не слыша целые эпохи и лучших композиторов, которые составляют истинные ценности жанра – Моцарта, Бетховена, Чайковского, этот человек не сможет адекватно воспринимать это искусство. Примерно такая картина происходит в джазе.
Отсутствие понимания эволюции этого жанра приводит к непониманию джаза как такового. И в этом проблема джазовой культуры в нашей стране — люди мало слушали настоящий классический джаз, перескакивая на более современные формы, которые требуют подготовки и слуховой привычки. 

В чем же суть джаза и его главные элементы?  

Изучая историю джаза, становится понятно, что в основе этого стиля лежит ритм. По теме ритмического мышления в джазе есть интересные исследования. Например, в конце XIX в. негры-рабы, работая в домах своих хозяев, иногда улучали момент, чтобы постучать по клавишам рояля. Так вот, имея свои народные музыкальные традиции, каждую клавишу фортепиано они рассматривали, как маленький барабан. То есть на клавишах рояля они выстукивали ритмы, то есть играли как на барабанах. В результате такой игры получалась музыка, которую потом называли «регтайм». Аналогично,  любой инструмент, который чернокожие американцы прошлого века брали в руки, они в первую очередь рассматривали, как ударную «перкуссию». Ритмическое мышление чернокожих людей в начале прошлого столетия преобладало над звуковысотным. И это лежит в фундаменте джазовой музыки, а также всех последующих производных и родственных ветвей.  В джазе главное ритм.

Как вся народная музыка, в звуковысотном отношении джаз развивался за счет слухового отбора. Таким образом сформировалась специфическая музыкальная фразировка,  особые лады, гармонии,  блюзовые тона, которые закреплялись в среде. Все это попало в резонанс времени, в эпоху научно-технической революции. Эти ритмы и ладовая организация отражали настроения в обществе и окружающую жизнь — звуки  работающего двигателя автомобиля, грохота скоростного поезда, летящего самолета…

Стоит особо отметить, что джаз в то время был не каким-то высоким искусством, а массовой популярной музыкой и выполнял одну важную функцию – танцы. А танцы это развлечение, отдых, где люди снимают напряжение, общаются, влюбляются.  Пока музыка выполняет функцию массового развлечения и отдыха от суровых будней она бурно развивается. Когда она теряет эту функцию, то этот жанр уходит в сегмент узких любителей.    Так было и в классике. Мазурка, менуэт, вальс… Все это танцы. А теперь это классическая музыка которую слушают в залах филармоний и ни у кого не возникает мыслей пригласить даму на танец. 

Импровизации

─ И все-таки странно, почему когда-то широкий круг понимал джазовые импровизации, а сегодня это достояние самих джазменов, специалистов и маленькой аудитории.

─ Когда люди впитывают джаз от ранних форм, начиная с эпохи диксиленда и свинга, к более сложным, к бибопу и модальному джазу, то у людей формируется понимание этой музыки и шкала оценки. И в то время, когда эти стили появлялись люди были полностью погружены в среду и вовлечены в процесс формирования музыкального языка. Но современные люди живут уже в другой культурной среде. И если проскочить этапы развития жанра, например, взять сейчас среднестатистического человека, поставить пластинку Чарли Паркера, то ему покажется, что это не музыка, а набор бессвязных звуков. Потому что в бибопе это уже более сложный джазовый язык, который требует подготовки. 

Что касается импровизации, которая лежит в основе джаза, то она всегда была двигателем в развитии этой музыки. Джазовые музыканты хотели найти свои интересные пассажи и шел такой коллективный соревновательный процесс. Поэтому практически каждый год в первой половине и в середине прошлого века на сцене появлялись яркие личности, которые пытались выйти за рамки привычных штампов. Так и расширялась палитра стиля. 

Есть мнение, что джазовая импровизация это сугубо негритянский подход к музыке. Есть мнение, что африканские негры, веками мечтавшие выйти из унизительного рабства, нашли свободу в музыке, в импровизации. Но на самом деле среди пионеров джаза было немало и белых музыкантов. Достаточно сказать, что первая джазовая пластинка была записана именно белыми музыкантами. Во Франции есть мнение, что на джаз огромное влияние оказали цыгане, среди которых было немало бродячих музыкантов, которые эмигрировали  в Новый Орлеан. В процессе формирования джазового музыкального языка принимали участие практически все народы, в том числе и русские. То есть джаз это синтез многих народов и разных музыкальных культур.  

Но в наш компьютерный век подходы к импровизации, к сожалению, меняются. Пошел какой-то образтный процесс. Импровизация стала не такая свободная как раньше. Более продуманная и взвешенная. Это не столько «полет души», поиск и эксперимент, сколько подготовленная выверенная партия. Есть даже новые стили в джазе, где живые музыканты имитируют звучание повторяющихся одинаковых компьютерных семплов. Живые люди пытаются играть как робот. Видимо эта музыка в наше время отражает окружающий мир. И нравится это кому-то или не нравится, ничего не поделаешь. 

Таким образом, изучая историю жанра, этапы его развития, слушатель начинает разбираться в происходящих явлениях. И это понимание процессов и развития элементов джаза способствует тому, что музыка воспринимается совсем по-другому. 
Это, как вы понимаете,  касается любого вида деятельности. Разве может кому-то понравится, к примеру,  бейсбол, если человек не знает правил этой игры? 

─ С другой стороны, спонтанная импровизация – крайняя форма.

─  Любой музыкант знает, что импровизация это не сиюминутное сочинение музыки, как это многие могут думать. Любая импровизация базируется на принципах. Прежде всего – на лексике стиля. Поэтому импровизация в джазе отличается от импровизации во фламенко или индийской раге.

Если как-то описать процесс импровизации, то она составляется из ранее изученных блоков, которые музыкант проработал заранее. Это как слова в речи, из разных комбинаций которых можно создавать разные предложения и передавать разные смыслы. Имея ограниченное знание слов, трудно добиться от оратора блестящей речи.  Так и в импровизации. Наработав «словарный»  багаж,  этими импровизационными блоками, или как их называют «ликами», музыкант  может  легко оперировать, собирая из заготовленных отрезков новую звуковую мозаику.  Но эти блоки, конечно,  не являются закостенелыми фрагментами. Музыкант может играть музыкальную фразу по-разному, другим штрихом и нюансами. Это зависит от настроения, состояния в момент исполнения. Поэтому импровизация все время получается разная, ее невозможно повторить два раза совершенно одинаково. Каждая джазовая пьеса в этом отношении уникальна.  

К слову, в классической музыке на начальном этапе тоже была распространена импровизация. В эпоху ренессанса, барокко и даже раннего классицизма музыканты могли легко отходить от авторского варианта музыки, добавляя свои собственные вариации. Сейчас в классической музыке такой свободы нет. Нечто похожее постепенно происходит и в джазе, а также в роке, где тоже на начальном этапе (в 60-х — 70-х годах) было много импровизации,  а сейчас гитарные партии больше напоминают хорошо выученные соло. 

Русский рок

─  Наш отечественный рок заметно отличается от западных направлений.  Почему это происходит?  

─ Анализируя русский рок как явление, можно с уверенностью сказать, что главный элемент советско-российского рока это слово. То есть текст песни. И чтобы донести этот текст,  когда русскоязычную поэзию необходимо упаковать в музыкальную фразу, приходиться оставаться в наших музыкальных традициях. Распевность, прямодольность, протяжность… Весь западный рок основан на других ритмических законах, которые во многом идут от самого языка. На эту тему есть немало книг. Поэтому все попытки наших музыкантов сделать русскоязычную рок группу западного формата, терпит неудачу. Приходишь к выводу, что надо или адаптировать музыку к русскому языку и нашим традициям или делать песни на английском языке. И история доказывает правоту этой позиции.

Поэтому русский рок, говоря упрощенно, это наша традиционная дворово-бардовская песня, только с барабанами и перегруженными гитарами. Отличает ее только более глубокий философский текст. Хотя, конечно, элементы рок-н-ролла отдаленно могут присутствовать. Но не они делают погоду. Главная содержательная база в русском роке, как я уже говорил, в тексте. 

Но совсем по-другому наши люди слушают англоязычные рок-группы. Все внимание при прослушивании идет не на текст, который мало кто понимает, а на саму музыку. Голос вокалиста при этом воспринимается как музыкальный инструмент. Подобное восприятие происходит при прослушивании инструментальной музыки.  Стоит только в фактуру музыки интегрировать текст на русском языке, то люди сразу чувствуют «что-то не то». Потому что часть внимания невольно фокусируется на анализе стихов и люди начинают больше погружаться не в музыку, а думать о чем поется в песне.  И чтобы донести текст до слушателя авторам порой приходится упрощать мелодию, убирать из нее всякие нюансы, украшательства и исполнительские приемы, которые только отвлекают и мешают. Очень сложно найти органичное сочетание всех элементов, где музыка, текст, исполнение находятся в гармонии. Поэтому многие исследователи нашей музыки приходят к выводу, что Россия страна содержания, а не формы. Слово и смысл для нас ценнее красивой внешней упаковки. Во всяком случае анализ нашего рока это хорошо иллюстрирует. 

Интересные процессы сейчас происходят в молодежной среде, в русском репе.  Наши музыканты, пропитавшись новомодными стилями, берут ритмические шаблоны (грувы) и на них накладывают русский текст. И у многих это неплохо получается. Но нынешняя молодежь выросла в благоприятных условиях, когда посредством Интернета стерлись границы, есть вся информация и доступны самые передовые инструменты и технологии. У рок-музыкантов, которые начинали в 70-е и тем более в конце 60-х годов была совсем другая жизнь. Железный занавес, идеологическое давление, ограничение творческой свободы и в добавок ко всему — отсутствие приличных музыкальных инструментов. Поэтому и русский рок получился такой, какой уж получился. Хотя мне многие песни очень нравятся. Очень люблю песни Константина Никольского.  Мы играем иногда вместе на блюзовых джем сейшнах.

Коль мы коснулись блюза, то в России есть немало поклонников  этого жанра. 

─ Да, можно сказать, что блюз в России хорошо прижился. В Москве уже не одно десятилетие работают блюзовые клубы, где постоянно проходят концерты и собирается целевая аудитория. Этому есть объяснение. Блюз очень близок к джазу, но он в гармоническом отношении проще и доступнее для массового слушателя. Кроме того, блюз, или его разновидность ритм энд блюз  лег в основу рока. Поэтому блюз занял очень выгодное положение его прекрасно понимают любители джаза и его любят поклонники рок-музыки. То есть у блюза получился очень широкий спектр аудитории. Кроме этого, формат этой музыки  хорошо подходит для питейных заведений, где люди можно после трудового дня могут снять напряжение, хорошо посидеть, расслабиться и забыть о проблемах. Если же музыка на сцене будет сложная и требует напрягать мозг, то она не может удовлетворить запросы. Вместо отдыха людей заставляют работать. 

— Может быть по этой причине в поп-музыке создается такое количество примитивной музыки. Слушая ее не надо думать. 

Совершенно верно. Я частенько записываю гитарные партии для разных музыкальных проектов и отчетливо замечаю тенденцию к упрощению.  В настоящее время современная отечественная  поп-музыка напоминает стандартный набор штампов. Одинаковые звуки, одни и те же библиотеки электронных битов,  одни те же гармонии где несколько стандартных аккордов. Я нередко задавал вопрос авторам песен и продюсерам, мол, почему бы не сделать в песне модуляцию, отклонение, поискать что-то новенькое, чтобы освежить эту однообразную модель. На что у них есть своя позиция, которая заключается в том, что любое усложнение музыки ведет к потере «клиента». То есть принцип — чем проще, тем лучше. Народ устает на работе, живет в постоянном стрессе, им не до музыки, где надо что-то изучать, читать, готовиться и много думать. Поп-музыка выполняет как раз обратную функцию — «расслабьтесь, ни о чем не думайте, все забудьте, отдохните от проблем, отвлекитесь». И находясь в векторе этой парадигмы продюсеры и все производители музыкального продукта совершенно  не заинтересованы делать что-то неожиданное, непривычное. Тем более это ведет к финансовым рискам. Вкладывать средства в музыкальные эксперименты никто не хочет. Поэтому все кто работает в сегменте массовой музыкальной индустрии в большинстве своем идут по хорошо протоптанной дороге, где если не гарантированный, то ожидаемый спрос.

Я надеюсь, что читатели, включая радио, где трудно отличить одну песню от другой,  теперь поймут почему это происходит. Такая музыка хороша для фона, она вроде есть, а вроде ее и нет. Она проходит мимо и не мешает думать о своем и не отвлекает от дороги.

Поэтому в наше время не появляется новых стилей, каких-то ярких явлений. Но я надеюсь, что это сложное время рано или поздно пройдет.